Vergessene Künstlerinnen der Moderne: Wiederentdeckung und Provenienz

Verfasst von Galerie "DER PANTHER" - fine art am

Wie kunsthistorische Wiederentdeckung und Provenienzforschung neue Perspektiven eröffnen

Die Kunstgeschichte ist kein unveränderlicher Kanon. Sie ist das Ergebnis von Auswahl, Bewertung und Überlieferung – und damit auch von gesellschaftlichen Machtverhältnissen. Welche Künstler in Museen ausgestellt, in Publikationen gewürdigt und auf dem Kunstmarkt wahrgenommen werden, hängt nicht allein von der Qualität ihrer Werke ab. Ebenso entscheidend ist, ob ihre Arbeiten gesammelt, dokumentiert und über Generationen hinweg sichtbar gehalten wurden.

Zahlreiche Künstlerinnen der Moderne waren zu Lebzeiten anerkannt, nahmen an wichtigen Ausstellungen teil und waren in bedeutende künstlerische Netzwerke eingebunden. Dennoch verschwanden viele von ihnen später weitgehend aus dem öffentlichen Bewusstsein.

Ihre Wiederentdeckung ist deshalb mehr als eine nachträgliche Korrektur. Sie verändert unseren Blick auf die Moderne und zeigt, dass deren Geschichte wesentlich vielfältiger war, als es der lange Zeit männlich geprägte Kanon vermuten ließ.

Erfolgreich zu Lebzeiten – später nahezu vergessen

Das heute häufig verwendete Wort „Wiederentdeckung“ kann irreführend sein. Viele Künstlerinnen mussten nicht erst entdeckt werden: Sie waren bereits sichtbar.

Sie stellten in Galerien und Künstlervereinigungen aus, wurden von Zeitgenossen wahrgenommen und waren in den kulturellen Zentren ihrer Epoche präsent. Ihr späteres Verschwinden war daher selten Ausdruck mangelnder künstlerischer Qualität. Vielmehr war es häufig das Ergebnis struktureller Benachteiligung, politischer Verfolgung oder fehlender institutioneller Bewahrung.

Ein Beispiel aus dem Bestand der Galerie „DER PANTHER“ ist die Expressionistin Else Hertzer. Seit 1918 war sie wiederholt in den Ausstellungen der Berliner Secession vertreten. Ab 1928 gehörte sie dem Verein der Berliner Künstlerinnen an, war zeitweise Vorstandsmitglied und von 1930 bis 1933 dessen Schriftführerin.

Else Hertzer (1884–1978), „Pappelallee vor Wittenberg“, 1939, Öl auf Leinwand, 65 × 80 cm, signiert und datiert „E. Hertzer ’39“. Weitere Informationen zum Werk und zur Künstlerin

Die „Pappelallee vor Wittenberg“ von 1939 gehört zu den wichtigen Wittenberg-Motiven der Künstlerin. Das Gemälde zeigt, dass Hertzers Werk nicht als kunsthistorische Randerscheinung verstanden werden darf. Die verdichtete Landschaft, die expressive Farbauffassung und die klare Gliederung des Bildraums stehen selbstbewusst innerhalb der deutschen Moderne.

Dass eine solche Künstlerin dennoch über Jahrzehnte nur begrenzte Aufmerksamkeit erhielt, verdeutlicht ein grundsätzliches Problem: Künstlerische Anerkennung zu Lebzeiten garantierte keineswegs einen dauerhaften Platz in der Kunstgeschichte.

Die Moderne entstand auch in Künstlerinnennetzwerken

Frauen blieb der reguläre Zugang zu zahlreichen staatlichen Kunstakademien lange verwehrt. Sie mussten auf private Malschulen, sogenannte Damenakademien oder Studienaufenthalte im Ausland ausweichen. Diese Ausbildung war häufig kostspieliger und bot nicht dieselben beruflichen Möglichkeiten wie ein staatliches Studium.

Paris wurde deshalb für viele Künstlerinnen zu einem wichtigen Ort. Private Akademien wie die Académie Colarossi ermöglichten ihnen eine professionellere Ausbildung und den Zugang zum Aktstudium. Gleichzeitig entstanden Freundschaften und internationale Netzwerke, die für ihre künstlerische Entwicklung von großer Bedeutung waren.

Jelka Rosen gehörte zu diesem Kreis. In Paris begegnete sie unter anderem Ida Gerhardi, Julie Wolfthorn und Adele von Finck. Im Sommer 1896 arbeitete sie gemeinsam mit Ida Gerhardi in der Künstlerkolonie Grez-sur-Loing.

Jelka Rosen (1868–1935), „Sinnierende Frau am Ufer des Loing“, 1896, Öl auf Leinwand, ca. 41 × 27 cm, signiert und datiert „J. Rosen 1896“. Weitere Informationen zum Malsommer in Grez-sur-Loing

Die „Sinnierende Frau am Ufer des Loing“ ist ein Schlüsselwerk aus diesem Malsommer. Rosen und Gerhardi malten im Freien, beschäftigten sich mit dem menschlichen Körper und standen sich gegenseitig Modell. Das Werk ist daher nicht nur ein sensibles Figurenbild. Es dokumentiert zugleich eine Form selbstbestimmter künstlerischer Zusammenarbeit.

Solche Netzwerke widerlegen die Vorstellung, Künstlerinnen hätten lediglich vereinzelt und abseits der kunsthistorisch relevanten Entwicklungen gearbeitet. Sie waren Teil der internationalen Moderne – als Malerinnen, Organisatorinnen, Modelle, Gastgeberinnen und intellektuelle Gesprächspartnerinnen.

Ottilie Reylaender – ein ungeschliffener Diamant der Moderne

Zu den Künstlerinnen, deren Werk eine umfassendere kunsthistorische Würdigung verdient, gehört auch Ottilie Reylaender. Für die Galerie „DER PANTHER“ – fine art ist sie eine der herausragenden, bis heute jedoch noch nicht angemessen gewürdigten Künstlerinnen ihrer Generation – ein ungeschliffener Diamant der Moderne.

1898 kam Reylaender nach Worpswede und wurde Schülerin des Malers Fritz Mackensen. Dort schloss sie Freundschaft mit Paula Becker, der späteren Paula Modersohn-Becker, und der Bildhauerin Clara Westhoff. Diese persönlichen Beziehungen waren zugleich Teil eines produktiven künstlerischen Austausches, in dem sich die jungen Frauen gegenseitig unterstützten und nach neuen Ausdrucksmöglichkeiten suchten.

Als Ottilie Reylaender 1900 nach Paris ging, fand sie Unterkunft und Arbeitsmöglichkeiten im Atelier Paula Beckers. In diesem Umfeld entstand 1900/01 das eindrucksvolle „Portrait Hedwig Woermann“. Das Gemälde dokumentiert nicht allein Reylaenders ausgeprägte Begabung als Porträtistin. Es macht zugleich ein Netzwerk sichtbar, das drei bemerkenswerte Künstlerinnen miteinander verband: Ottilie Reylaender als Malerin, Hedwig Woermann als dargestellte Bildhauerin und Paula Becker als Freundin und Atelierkollegin.

Ottilie Reylaender (1882–1965), „Portrait Hedwig Woermann“, 1900/01, Öl auf Leinwand, 70 × 50 cm, signiert „O. Reylaender“. Entstanden im Pariser Atelier Paula Modersohn-Beckers. Weitere Informationen zu Ottilie Reylaender und den Werken im Galeriebestand

Reylaenders weiterer Lebensweg führte sie durch Italien und Nordafrika bis nach Mexiko. Dort begegnete sie später unter anderem Diego Rivera und Tina Modotti. Ihre Biografie eröffnet damit eine Perspektive auf die deutsche Moderne, die weit über Worpswede hinausführt und internationale Verbindungen zwischen Europa und Lateinamerika sichtbar macht.

1943 wurden sämtliche Werke einer Ausstellung Reylaenders im Kunstverein Hannover bei einem Bombenangriff vernichtet. Dieser Verlust steht beispielhaft für die historischen Brüche, durch die ganze Werkzusammenhänge zerstört und Künstlerinnen aus dem kunsthistorischen Gedächtnis verdrängt werden konnten.

Gerade die erhaltenen Arbeiten zeigen jedoch, dass Ottilie Reylaender nicht lediglich als Weggefährtin Paula Modersohn-Beckers betrachtet werden darf. Ihr eigenständiges Werk besitzt eine künstlerische Kraft, die eine wesentlich größere öffentliche und wissenschaftliche Aufmerksamkeit verdient. Ihre Wiederentdeckung erweitert den Blick auf Worpswede ebenso wie auf die internationalen Netzwerke von Künstlerinnen zu Beginn des 20. Jahrhunderts.

Künstlerkolonien als Räume weiblicher Selbstständigkeit

Neben Paris boten Künstlerkolonien neue Freiräume. Orte wie Worpswede, Ahrenshoop, Dachau oder Hiddensee ermöglichten das Arbeiten außerhalb akademischer Hierarchien. In der Freiluftmalerei konnten Künstlerinnen eigenständige Bildsprachen entwickeln und sich zugleich gegenseitig unterstützen.

Auf Hiddensee entstand mit dem Hiddenseer Künstlerinnenbund ein besonders bemerkenswertes Netzwerk. In der sogenannten Blauen Scheune in Vitte organisierten die beteiligten Malerinnen gemeinsame Ausstellungen. Zu ihnen gehörten unter anderem Henni Lehmann, Clara Arnheim, Elisabeth Büchsel, Käthe Loewenthal, Elisabeth Andrae und später auch Martha Mischel.

Martha Mischel (1869–1938), „Boote vor Hiddensee (Vitte)“, um 1920–1930, Tempera auf Papier, 30 × 34 cm. Das Werk wurde 2014 in der Ausstellung „Ein Rucksack voller Farben – Künstlerinnen und die Freiluftmalerei“ im Museum Moderner Kunst Wörlen in Passau gezeigt. Weitere Werke und Informationen zu Martha Mischel

Martha Mischels „Boote vor Hiddensee“ steht exemplarisch für die künstlerische Auseinandersetzung mit der Insel. Die knappe Komposition, die Reduktion des Motivs und die bewegte Behandlung von Himmel und Wasser lassen die Landschaft nicht als bloße Naturansicht erscheinen. Sie wird zu einem eigenständigen malerischen Erlebnis.

Zugleich besitzt die dokumentierte Ausstellungsgeschichte des Werkes große Bedeutung. Sie verknüpft das einzelne Kunstwerk mit einer kunsthistorischen Erzählung über Freiluftmalerei, Künstlerinnennetzwerke und die kulturelle Bedeutung Hiddensees.

Warum Künstlerinnen aus dem Kanon verschwanden

Die Ursachen des Vergessens sind vielfältig. Häufig wirkten mehrere Faktoren gleichzeitig:

  • der erschwerte Zugang zu akademischer Ausbildung,
  • geringere Möglichkeiten, Professuren und institutionelle Positionen zu erlangen,
  • eine Kunstkritik, die weibliches Kunstschaffen häufig anders bewertete,
  • Heirat, Namenswechsel und die Zuordnung des Werkes zum bekannteren Ehemann,
  • fehlende Werkverzeichnisse und ungeordnete Nachlässe,
  • die Zerstreuung von Arbeiten in privaten Sammlungen,
  • Krieg, Emigration, Enteignung und politische Verfolgung.

Besonders einschneidend waren die Folgen des Nationalsozialismus. Jüdische Künstlerinnen wurden aus Berufsverbänden ausgeschlossen, mit Ausstellungsverboten belegt, enteignet, zur Emigration gezwungen oder deportiert und ermordet. Mit den Menschen verschwanden oftmals auch ihre Archive, Ateliers, Korrespondenzen und Kunstwerke.

Das Werk der 1878 in Berlin geborenen Käthe Loewenthal zeigt auf besonders eindringliche Weise, wie künstlerische Qualität und gewaltsames Vergessen aufeinandertreffen können.

Käthe Loewenthal (1878–1942), „Steilküste bei Kloster“, um 1925, Öl auf Malkarton, 30,5 × 40,5 cm, signiert „KL“. Weitere Werke und Informationen zu Käthe Loewenthal

In der „Steilküste bei Kloster“ verbindet Loewenthal eine sensible Naturbeobachtung mit einer persönlichen, modernen Bildsprache. Farbe und Licht dienen nicht allein der Beschreibung eines Ortes. Sie vermitteln Atmosphäre und verwandeln die Landschaft in einen inneren Erfahrungsraum.

Nach der nationalsozialistischen Machtübernahme wurde die Künstlerin aufgrund ihrer jüdischen Herkunft aus dem öffentlichen Kunstleben ausgeschlossen. 1942 wurde sie deportiert und ermordet. Zahlreiche Arbeiten gingen verloren; andere blieben über Jahrzehnte weitgehend unbeachtet.

Ihre heutige Wiederentdeckung ist daher nicht nur ein Akt historischer Gerechtigkeit. Sie beruht vor allem auf der künstlerischen Qualität ihres Werkes.

Fünf Beispiele für ein weites Forschungsfeld

Die in diesem Beitrag vorgestellten Künstlerinnen Else Hertzer, Jelka Rosen, Ottilie Reylaender, Martha Mischel und Käthe Loewenthal stehen beispielhaft für ein wesentlich umfassenderes kunsthistorisches Forschungsfeld. Die Galerie „DER PANTHER“ – fine art beschäftigt sich seit vielen Jahren mit zahlreichen Künstlerinnen und Künstlern, deren Werke trotz ihrer einstigen Anerkennung zeitweise aus dem öffentlichen Bewusstsein verschwanden oder in der Kunstgeschichte nicht die ihnen gebührende Beachtung fanden.

Ihre Wiederentdeckung ist selten das Verdienst einer einzelnen Person. Sie entsteht vielmehr durch das Zusammenwirken engagierter Galerien, Museen und wissenschaftlicher Institutionen sowie durch die wertvolle Unterstützung privater Sammlerinnen und Sammler. Ausstellungen, Publikationen, die Aufarbeitung von Nachlässen und Provenienzen sowie das Wiederauffinden bislang unbekannter Werke haben in den vergangenen Jahren dazu beigetragen, zahlreiche künstlerische Positionen neu zu bewerten und dauerhaft sichtbar zu machen.

Die vier hier ausgewählten Künstlerinnen verdeutlichen daher exemplarisch, wie kunsthistorische Forschung verlorene Zusammenhänge rekonstruieren und den Blick auf die Moderne erweitern kann. Zugleich stehen sie stellvertretend für viele weitere Künstlerinnen und Künstler, deren Leben und Werk noch immer erforscht, dokumentiert und neu entdeckt werden müssen.

Provenienzforschung: Die Biografie eines Kunstwerkes

Provenienzforschung untersucht die Herkunft und Besitzgeschichte eines Kunstwerkes. Im Idealfall lässt sich nachvollziehen, wann und wo ein Werk entstand, in welchen Ausstellungen es gezeigt wurde, wem es gehörte und auf welchem Weg es in eine heutige Sammlung gelangte.

In der Praxis ist diese Geschichte jedoch häufig unvollständig. Rückseiten von Gemälden, alte Rahmen, Etiketten, Stempel, handschriftliche Nummern oder kaum noch lesbare Signaturen können zu wichtigen Quellen werden. Ebenso aufschlussreich sind:

  • historische Ausstellungsverzeichnisse,
  • Auktionskataloge und Preislisten,
  • Inventarbücher und Karteikarten,
  • Briefe, Fotografien und Tagebücher,
  • Nachlassunterlagen,
  • Restaurierungsberichte,
  • historische Adressbücher,
  • Datenbanken und Museumsarchive.

Gerade bei vergessenen Künstlerinnen kann schon ein einzelner Hinweis eine weitreichende Recherche auslösen. Ein Ausstellungsaufkleber führt möglicherweise zu einem Katalog; der Katalog nennt weitere Werke; ein Brief erklärt den Aufenthaltsort der Künstlerin; eine alte Fotografie ermöglicht schließlich die Identifizierung eines bislang unbekannten Bildes.

Provenienzforschung rekonstruiert damit nicht nur Besitzfolgen. Sie kann verloren geglaubte Zusammenhänge zwischen Werken, Künstlerinnen, Sammlerinnen, Galerien und Ausstellungsorten wieder sichtbar machen.

Besondere Verantwortung besteht bei Kunstwerken, deren Geschichte die Jahre der nationalsozialistischen Herrschaft und deren unmittelbare Folgen berührt. Hier muss geprüft werden, ob ein Werk freiwillig verkauft, unter dem Druck der Verfolgung abgegeben, entzogen oder beschlagnahmt wurde. Das Deutsche Zentrum Kulturgutverluste versteht Provenienzforschung deshalb als wesentliche Voraussetzung für die Identifizierung von NS-Raubgut und für die Suche nach gerechten und fairen Lösungen.

Vom einzelnen Werk zur kunsthistorischen Neubewertung

Die Wiederentdeckung einer Künstlerin beginnt häufig mit einem einzelnen Werk. Doch dieses Werk darf nicht isoliert betrachtet werden.

Datierung, Maltechnik, Bildträger, Signatur, Motiv und Rückseitenbefund können helfen, es innerhalb eines Œuvres einzuordnen. Anschließend stellt sich die Frage nach dem größeren Zusammenhang:

  • Wo wurde das Werk geschaffen?
  • Welche künstlerischen Kontakte bestanden?
  • War es Teil einer Ausstellung?
  • Gibt es vergleichbare Arbeiten in Museen oder Privatsammlungen?
  • Welche historischen Ereignisse beeinflussten seine Überlieferung?
  • Warum verschwand die Künstlerin später aus dem öffentlichen Bewusstsein?

Erst aus dieser Verbindung von genauer Werkbetrachtung, biografischer Forschung und Provenienz entsteht eine belastbare kunsthistorische Einordnung.

Else Hertzer, Jelka Rosen, Martha Mischel und Käthe Loewenthal repräsentieren dabei unterschiedliche Wege innerhalb der Moderne. Ihre Werke führen nach Berlin, Paris, Grez-sur-Loing, Wittenberg und Hiddensee. Sie erzählen von Ausbildung und Aufbruch, von Freundschaften und Künstlerinnenbünden, aber ebenso von Ausschluss, Verfolgung und dem Verlust kultureller Erinnerung.

Wiederentdeckung bedeutet, die Moderne neu zu erzählen

Die Beschäftigung mit vergessenen Künstlerinnen darf nicht darin bestehen, dem bestehenden Kanon lediglich einige Namen hinzuzufügen. Sie verlangt eine umfassendere Perspektive.

Wenn Künstlerinnennetzwerke, private Akademien, Künstlerkolonien und alternative Ausstellungsräume stärker berücksichtigt werden, verändert sich das Verständnis der Moderne insgesamt. Sichtbar wird eine Kunstgeschichte, die nicht ausschließlich in den staatlichen Akademien und bekannten Künstlervereinigungen geschrieben wurde.

Gerade die Werke selbst widerlegen die Vorstellung einer vermeintlich weiblichen Nebenlinie. Sie zeigen eigenständige Positionen zwischen Impressionismus, Expressionismus, Neuer Sachlichkeit und Expressivem Realismus. Ihre Themen reichen vom Porträt über die Landschaft bis zum urbanen Raum; ihre Bildsprachen sind so unterschiedlich wie die Biografien ihrer Urheberinnen.

Die Wiederentdeckung dieser Künstlerinnen ist deshalb keine Frage modischer Aktualität. Sie ist eine notwendige Erweiterung kunsthistorischer Erkenntnis.

Vier Beispiele für ein weites Forschungsfeld

Die in diesem Beitrag vorgestellten Künstlerinnen Else Hertzer, Jelka Rosen, Martha Mischel und Käthe Loewenthal stehen beispielhaft für ein wesentlich umfassenderes kunsthistorisches Forschungsfeld. Die Galerie „DER PANTHER“ – fine art beschäftigt sich seit vielen Jahren mit zahlreichen Künstlerinnen und Künstlern, deren Werke trotz ihrer einstigen Anerkennung zeitweise aus dem öffentlichen Bewusstsein verschwanden oder in der Kunstgeschichte nicht die ihnen gebührende Beachtung fanden.

Ihre Wiederentdeckung ist selten das Verdienst einer einzelnen Person. Sie entsteht vielmehr durch das Zusammenwirken engagierter Galerien, Museen und wissenschaftlicher Institutionen sowie durch die wertvolle Unterstützung privater Sammlerinnen und Sammler. Ausstellungen, Publikationen, die Aufarbeitung von Nachlässen und Provenienzen sowie das Wiederauffinden bislang unbekannter Werke haben in den vergangenen Jahren dazu beigetragen, zahlreiche künstlerische Positionen neu zu bewerten und dauerhaft sichtbar zu machen.

Die vier hier ausgewählten Künstlerinnen verdeutlichen daher exemplarisch, wie kunsthistorische Forschung verlorene Zusammenhänge rekonstruieren und den Blick auf die Moderne erweitern kann. Zugleich stehen sie stellvertretend für viele weitere Künstlerinnen und Künstler, deren Leben und Werk noch immer erforscht, dokumentiert und neu entdeckt werden müssen.

Die Verantwortung von Museen, Galerien und Sammlern

Museen, Archive, Galerien und private Sammler tragen gemeinsam Verantwortung für die Bewahrung kulturellen Erbes.

Museen können Werke langfristig sichern und öffentlich zugänglich machen. Archive erhalten Dokumente und Nachlässe. Galerien wiederum können Forschungsprozesse initiieren, bislang unbekannte Arbeiten auffinden, Provenienzen klären und zwischen privaten Sammlungen und öffentlichen Institutionen vermitteln.

Auch private Sammler spielen eine wichtige Rolle. Nicht selten befinden sich entscheidende Werke, Briefe oder Fotografien über Generationen in Familienbesitz. Ihre Dokumentation kann Lücken schließen, Zuschreibungen ermöglichen und zur Rekonstruktion eines nahezu verlorenen Œuvres beitragen.

Die Galerie „DER PANTHER“ – fine art versteht ihre Tätigkeit daher nicht allein als Handel mit Kunstwerken. Die wissenschaftliche Erforschung, Dokumentation und Vermittlung bedeutender Künstlerinnen des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts bildet seit vielen Jahren einen wesentlichen Schwerpunkt unserer Arbeit.

Die Zusammenarbeit mit Museen, die Bereitstellung von Leihgaben und die kunsthistorische Einordnung der Werke tragen dazu bei, Künstlerinnen wieder dauerhaft sichtbar zu machen.

Kunstgeschichte bleibt in Bewegung

Wiederentdeckung ist kein abgeschlossener Vorgang. Jedes neu auftauchende Werk, jeder erschlossene Nachlass und jede geklärte Provenienz kann das Bild einer Epoche verändern.

Die Geschichte vergessener Künstlerinnen erinnert uns daran, dass kunsthistorische Bedeutung nicht allein durch bekannte Namen bestimmt wird. Sie entsteht durch die Qualität der Werke – aber auch durch die Bereitschaft, genau hinzusehen, überlieferte Bewertungen zu hinterfragen und verlorene Zusammenhänge wiederherzustellen.

So können Kunstwerke nach Jahrzehnten erneut zu sprechen beginnen. Und mit ihnen kehren Künstlerinnen in die Geschichte der Moderne zurück, zu deren Entwicklung sie von Anfang an gehörten.

Werke und weiterführende Informationen

Die in diesem Beitrag vorgestellten Arbeiten von Else Hertzer, Jelka Rosen, Martha Mischel und Käthe Loewenthal befinden sich im Bestand beziehungsweise in der Vermittlung der Galerie „DER PANTHER“ – fine art.

Quellen:
Beitrag und Beitragsfoto: Galerie DER PANTHER – Fine Art;